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明山應義アトリエ, Towada-shi (2026)

10/07/2026

《遠い日・夏-Ⅰ》
1995年
油彩・キャンバス
181.8 × 259.0 cm

《遠いふるさと》の連作に続き、母を主題として描かれた大作です。明山は1994年に母をモデルに《遠いふるさと》を描き、その流れは翌年の本作へと続いていきました。

青い空の下、母は画面の中央に大きく立ち、周囲には子どもたちの姿が描かれます。家族像としての親しみやすさを持ちながら、母の顔や腕に刻まれた歳月の痕跡と、空へ向かってひらかれたような立ち姿が、この作品に単なる回想を超えた存在感を与えています。

本作は1995年の安井賞展に入選。前年の《遠いふるさと-Ⅰ》に続く、二年連続入選という快挙でした。

そして現在、本作は青森テレビ本社に収蔵されています。2枚目は収蔵時の記録写真で、当時の青森テレビ社長・中村孝之氏と作品の前に立つ明山です。

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Distant Days, Summer I
1995
Oil on canvas
181.8 × 259.0 cm

Following the Distant Hometown series, this large-scale painting also takes Akeyama’s mother as its central subject. In 1994, he painted Distant Hometown with his mother as the model, and that line of work continued into this painting the following year.

Beneath a blue sky, the mother stands prominently at the centre of the composition, surrounded by children. While the scene retains the familiarity of a family image, the traces of passing years inscribed on her face and arms, together with her upright figure seemingly opening toward the sky, give the painting a presence that extends beyond personal recollection.

The work was selected for the 1995 Yasui Award Exhibition. Following the selection of Distant Hometown I the previous year, this marked Akeyama’s second consecutive appearance in the exhibition.

The painting is now held in the collection of Aomori Television and displayed at its headquarters. The second image is an archival photograph taken when the work entered the collection, showing Akeyama standing before the painting with Mr. Nakamura, then president of Aomori Television.

画像 / Images
1.《遠い日・夏-Ⅰ》 / Distant Days, Summer I
2. 青森テレビ収蔵時の記録写真 / Archival photograph taken when the work entered the Aomori Television collection

Current Archive :
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https://www.instagram.com/akeyama.atelier/

#明山應義 #遠い日夏 #日本の具象絵画 #油彩 #安井賞展 #青森テレビ

25/06/2026

【固定投稿 3｜記憶・新聞・旅】

明山應義の絵画では、旅の経験はそのまま記録されるのではなく、長い時間を経て、あらたな画面のなかに立ち現れてきます。

1999年以降、繰り返し訪れた北の大地シベリア。そこで出会った人々や風景は、《シベリアの家族》をはじめとする連作へとつながっていきました。遠い土地への関心は、単なる異国趣味ではなく、そこに暮らす人々の佇まいや、その土地の空気感となって、画面の中に静かにあらわされています。

さらに遡るなら、若き日の北アフリカへの旅が大きな転機となりました。《遊牧の民》のような初期作品には、サハラの広大な風景との出会いが刻まれています。またその経験は、のちに自身の幼年期の記憶や、眠る人物の像とも少しずつ結びついていくことになります。

代表作である《仮眠》の連作では、新聞の上に眠る人物像が繰り返し描かれてきました。新聞は、遠い社会の出来事を伝えるものでありながら、同時に人物の身体に直接触れる場所に置かれています。ここでは外の世界の気配と、個人の静かな記憶が、ひとつの画面の中で重なり合っているようです。

続く《母子Ⅲ》では、海外の旅先で見た古い人形の記憶が、少年と母の眠りの像と結びついています。新聞、眠る身体、母子像、旅の記憶という、明山作品の重要なモチーフが重なった本作は、1996年、第16回天理ビエンナーレで大賞を受賞しています。

旅、新聞、眠る人物、母子像、遠い土地の風景 ── それらは別々のモチーフではなく、同じ経験のプロセスへの異なる入り口なのかもしれません。旅や記憶の時間が画家の内側に根づき、絵画として定着していく。その静かな歩みが、明山の作品には刻まれています。

アーカイブサイト、ポートフォリオはプロフィールのリンクからご覧ください。

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In Ouyoshi Akeyama’s paintings, travel does not remain as simple documentation. Over many years, encounters with Siberia, North Africa, newspapers, sleeping bodies, mothers and children, and distant landscapes return in altered pictorial forms. These motifs are not separate subjects, but different entrances into one process: lived experience taking root within the painter and slowly settling into painting.

Archive site and portfolio: link in profile.

画像 / Images
1.《シベリアの家族》Siberian Family, 2005, oil on canvas, 194.0×259.0cm
2. シベリア・ハバロフスク近郊にて, 1999 / Near Khabarovsk, Siberia
3.《遊牧の民》Nomads, 1986, oil on canvas, 72.7×91.0cm
4. アルジェリア・サハラ砂漠にて, 1978 / Sahara Desert, Algeria
5.《仮眠-A》Napping-A, 1987, oil on canvas, 181.8×227.3cm — Private collection
6.《母子Ⅲ》Mother and Child III, 1996, oil on canvas, 162.0×227.3cm — Grand Prize, 16th Tenri Biennale ※現存する記録写真より / From an archival photograph

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#明山應義 #絵画 #青森

14/06/2026

《仮眠-C》
1987
油彩・キャンバス
162.0 × 162.0 cm
第4回日本青年画家展優秀賞

新聞の上に眠る人物像は、のちの明山作品に繰り返し現れる重要なモチーフです。《仮眠-C》は、そのなかでも早い時期に描かれた記念碑的な一作といえます。

後年の作品の緻密さに比べると、本作には荒々しさを残した筆致と、画面全体を押し出してくるような直截的な力があります。技巧によって整えられた完成度というより、眠る身体と新聞の束が、ひとつの切迫した像として現れてくる。その生々しさこそが、この作品の魅力だと思います。

本作が第4回日本青年画家展に出品される前、戦後日本を代表する彫刻家のひとり、佐藤忠良氏が明山のアトリエを訪ね、作品を見た記録が残されています。後日、佐藤氏からは自筆のハガキも届き、展覧会で再び本作に出会った感慨と、作品への励ましの言葉が記されていました。

《仮眠-C》は、前年に引き続き、日本青年画家展で二年連続の優秀賞を受賞。明山が新鋭作家として、当時の画壇に強い印象を残すことになった作品のひとつです。

2枚目の写真は、《仮眠-C》出品前にアトリエで撮影されたもの。左から佐藤忠良氏、明山應義、明山の妻・正子、末武保政氏です。

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Napping-C
1987
Oil on canvas
162.0 × 162.0 cm
Excellence Award, 4th Japan Young Artists Exhibition

The image of a figure sleeping on newspapers became one of the important motifs that would recur in Akeyama’s later work. Among these early examples, Napping-C stands as a particularly significant painting.

Compared with the precision of his later works, this painting retains a rougher brushwork and a direct force that seems to press outward from the entire surface. Rather than a finish refined through technique, the sleeping body and the mass of newspapers appear as one urgent image. This raw immediacy is one of the work’s great strengths.

Before Napping-C was shown at the 4th Japan Young Artists Exhibition, Churyo Sato, one of the leading sculptors of postwar Japan, visited Akeyama’s studio and saw the painting there. Later, Sato sent Akeyama a handwritten postcard, recalling his encounter with the work again at the exhibition and offering words of encouragement.

Following the previous year, Napping-C received Akeyama’s second consecutive Excellence Award at the Japan Young Artists Exhibition. It became one of the works through which he left a strong impression as an emerging painter at the time.

The second photo was taken in Akeyama’s studio before Napping-C was exhibited. From left: Churyo Sato, Ouyoshi Akeyama, Akeyama’s wife Masako, and Yasumasa Suetake.

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#明山應義 #佐藤忠良 #末武保政 #日本青年画家展 #新聞 #油彩画 #青森 #十和田

11/06/2026

【猪熊弦一郎先生について】

1990年、洋画家・猪熊弦一郎先生は、明山應義の展覧会図録に序文を寄せています。

その文章では、新聞紙の上で眠る人物像に触れながら、明山の仕事にある、誰のものでもない執拗な自己追求を見出し、その歩みを「氷河の流動」のようだと表現されています。

明山が若い頃、田園調布の猪熊アトリエを訪ね、作品を見てもらったことが最初のきっかけでした。猪熊先生は、当時まだ無名だった若い画家にもあたたかく接し、率直な言葉を与えています。それは単に親切だったというだけではなく、明山の中にあった、絵に向かう切実さや本気さを感じ取り、それに応えるように背中を押してくださったのではなかったでしょうか。

落選時には励まし、海外を見ることを勧め、フランス滞在中にも手紙を送っています。明山はその後、パリから北アフリカへ向かい、その旅の経験はのちの人物像や新聞のモチーフにもつながっていきました。

かつてマティスに学び、戦後日本美術に大きな足跡を残した猪熊先生が、若い明山のなかにある可能性を感じ取り、外の世界へ向かう契機を与えてくれたことは、明山の画業を考えるうえで大きな意味を持っています。

後年、十和田市市民文化センターの緞帳制作が猪熊先生に依頼され、そのプロジェクトを通して明山との関わりも続きました。大ホールを飾る《宇宙胚胎》は、今も十和田の地に残されています。

掲載写真

1・猪熊弦一郎先生（写真右）と、田園調布のアトリエにて（1985年頃《宇宙胚胎》制作前後）
2・初めての訪問時、田園調布のアトリエにて（1975年）
3・図録『明山応義油絵展』（日本橋三越本店、1990年）所収、猪熊弦一郎「明山応義君の仕事」
4・同図録表紙
5・パリ滞在中の明山に宛てた猪熊先生の手紙（1977年・視力の事情により先生の口述を奥様が代筆。当時の住所は伏せています）
6・十和田市市民文化センター大ホール緞帳、猪熊弦一郎《宇宙胚胎》

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【On Genichiro Inokuma】

In 1990, Genichiro Inokuma contributed a text to Ouyoshi Akeyama’s exhibition catalogue. Writing of a figure asleep on newspapers, he recognized an obstinate pursuit belonging to the artist alone and described its movement as “like the flow of a glacier.”

Their connection began in 1975, when Akeyama visited Inokuma’s Denenchofu studio to show him his paintings. Inokuma welcomed the young painter, spoke frankly about the work, encouraged him after rejection, urged him to look beyond Japan, and wrote to him in France. He seems to have sensed Akeyama’s urgency and seriousness, and responded by helping him move forward.

Akeyama later traveled from Paris through North Africa, experiences that would resonate in his later figures and newspaper motifs. Years later, their connection continued through Inokuma’s stage curtain Cosmic Embryo for the Towada Civic Cultural Center.

Photos

1. Inokuma (right) and Akeyama at the Denenchofu studio, c. 1985, around the Cosmic Embryo project
2. Their first meeting at the studio, 1975
3. Inokuma’s text in the 1990 exhibition catalogue
4. Cover of the same catalogue
5. Inokuma’s letter to Akeyama in Paris, 1977; dictated by Inokuma, written by his wife; address redacted
6. Cosmic Embryo, Towada Civic Cultural Center

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#明山應義 #猪熊弦一郎 #絵画

29/05/2026

《母子-F》
1998年
油彩・キャンバス
194.0 × 259.0 cm
八戸市美術館収蔵

《母子-F》でまず目に入るのは、背を向け合う二つの身体です。明山應義の人物像では、こうした身体の向きや距離が、作品の緊張を大きく左右しています。

母子でありながら、二人は抱き合うわけでも、見つめ合うわけでもありません。けれど、切り離されているわけでもない。その少しずれた距離の中に、親密さや隔たり、やわらかさと緊張が同時に保たれています。画面の下層にひろがる都市の像や印刷物もまた、私的場面のなかに、外の世界や社会の気配を静かに呼び込んでいるようです。

2枚目は、2024年八戸市美術館の企画展「展示室の冒険」での展示風景。実際の空間のなかで見ると、二つの身体の距離と、画面全体の静けさがいっそう強く感じられます。

なお、八戸市美術館にはこの作品のほかにも、母子像の連作やハバロフスク・ロシアに関連する作品など、明山應義の作品が複数収蔵されています。

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Mother and Child-F
1998
Oil on Canvas
194.0 × 259.0 cm
Collection of Hachinohe Art Museum

What first draws attention in Mother and Child-F is the two bodies turned away from one another. In Akeyama’s figurative paintings, the direction and distance of the body often play a central role in shaping the tension of the image.

Although they are mother and child, the two figures do not embrace or look at one another. Yet they are not completely separated either. Within that slightly displaced distance, intimacy and separation, softness and tension, are held at the same time. The urban images and printed matter spread across the lower part of the painting also seem to quietly bring the time of the outside world and a sense of society into this private scene.

The second image shows the work installed in the 2024 exhibition Adventure in the Galleries at Hachinohe Art Museum. Seen in an actual space, the distance between the two bodies and the stillness of the entire painting feel even stronger.

Hachinohe Art Museum holds several works by Akeyama, including other mother-and-child paintings and works related to Khabarovsk, Russia.

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#明山應義 #母子 #油彩画 #人物画 #洋画家 #絵画

29/05/2026

《アムール夕景》

1.
油彩・キャンバス
50.0 × 60.6 cm

2. 2017
油彩・キャンバス
60.6 × 72.7 cm

3. 2008
油彩・キャンバス
60.6 × 72.7 cm

《アムール夕景》は、明山がシベリアへの取材旅行を通じて、好んで描いた風景のひとつです。人物だけでなく、アムール川の水面と夕方の光が、強く印象に残っていたのでしょう。広い川と空のあいだには、旅の終わりや移動の時間が静かに漂っているようです。

明山は2022年に行ったインタビューで、ハバロフスク周辺の風景について「砂漠とは違うけれど、地平線が広がる大きな風景」だったと、かつて自身が旅した北アフリカと対比しながら語っています。

アムール川の流域は、極東ロシアと中国が向かい合う国境の土地。けれど明山が見ていたのは、政治的な境界そのものではなく、川や気候、地平線の中で人々が暮らす、東北のさらに北へと開けた、「近くて遠い大地」だったのかもしれません。

後半の写真は、当時明山がアムール川周辺で撮影したものです。

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Evening on the Amur

1. 2014
Oil on Canvas
60.6 × 72.7 cm

2. 2017
Oil on Canvas
60.6 × 72.7 cm

3. 2008
Oil on Canvas
60.6 × 72.7 cm

Evening on the Amur is a landscape that Akeyama returned to repeatedly through his research trips to Siberia. Alongside the people he encountered there, the wide surface of the Amur River and the light of evening must also have remained strongly in his memory. Between the broad river and the open sky, a quiet sense of travel, distance, and departure seems to linger.

In a 2022 interview, Akeyama described the landscape around Khabarovsk in contrast to the North African landscapes he had once seen, calling it “different from the desert, but still a vast landscape of horizons.”

The Amur River region is a borderland where the Russian Far East and China face one another. Yet what Akeyama seems to have seen there was not the political border itself, but a “near yet distant land” opening further north from Tohoku — a place where people live within the river, climate, and horizon.

The later photographs were taken by Akeyama around the Amur River at the time.

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#明山應義 #アムール夕景 #極東ロシア #油彩画 #風景画 #洋画家

17/05/2026

【固定投稿 2｜野火について】

《野火 / Cogito, ergo sum》
2025年
油彩・キャンバス
227.3 × 181.8 cm

《野火》は、明山應義の晩年を占める重要な連作です。その起点のひとつには、かつてシベリアを旅した際に目にした森林火災の記憶があるといいます。人物の周囲に置かれた新聞の断片や、他の作品にも繰り返し現れてきた野山の風景が、ここでは烈しい野火にさらされながら、なお人の姿と結びついています。

本作《野火 / Cogito, ergo sum》でも、子どもの姿、新聞の断片、燃え上がる森は、ひとつの意味へ閉じるのではなく、明山の画業に繰り返し現れてきた主題どうしが、あらためて強く出会っているようにも思えます。そしてこの連作の子どもたちは、こちらを見返してくるような仕草や視線のなか立ち現れます。タイトルの “Cogito, ergo sum” も、不安定な世界のなかでなお考え、なお在ろうとする小さな身体の実感に引き寄せられているのかもしれません。

かつて、末武保政氏は明山を「マグマを持つ画家」と呼びました。また詩人のヤリタミサコ氏はこの連作について、「未来との対話」という言葉を残しています。野火の連作を見ると、その二つの言葉はどこか遠くで響き合っているようにも思えます。

後半の写真は、それぞれ異なる《野火》作品、制作途中のアトリエ風景です。野火の記憶、子どもたちの像が、作品ごとに別のかたちで少しずつ結びついていきます。

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[About Nobi (Wildfire)]

Nobi / Cogito, ergo sum
2025
Oil on Canvas
227.3 × 181.8 cm

Nobi (Wildfire) is one of the central series of Ouyoshi Akeyama’s later years. One point of departure was his memory of forest fires seen during travels in Siberia.

In Nobi / Cogito, ergo sum, a child’s figure, fragments of newspaper, and a burning forest do not close into a single meaning. Rather, several motifs that have appeared throughout Akeyama’s work meet again with renewed force.

The newspapers around the figure suggest events already mediated, reported, and read, while the children in the series often seem to look back at us rather than explain what has happened. The title “Cogito, ergo sum” may also be drawn toward the small body that continues to think, and to exist, in an unstable world.

Critic Yasumasa Suetake once called Akeyama “a painter with magma,” while poet and critic Misako Yarita described this series as “a dialogue with the future.” In these works, the two phrases seem to echo each other from afar.

The later images show different Nobi works in progress. Across separate canvases, wildfire, children’s figures, and scorched landscapes gradually take shape in the studio.

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#明山應義 #野火 #油彩画 #現代絵画 #アトリエ #青森 #十和田

12/05/2026

《守人》
2006年
油彩・キャンバス
72.7 × 60.6 cm

シベリア・シリーズの人物像は、女性たちだけで成り立っているわけではありません。《守人》では、明山の関心は別のかたちで辺境へ向かっています。ここにあるのは境界に立ち、何かを守るようにしてそこに在る身体の感覚です。

厚い帽子や衣服に包まれたこの人物は、感情を大きく示すことはありませんが、その静かな立ち姿には、寒さや孤独に耐えながら立ち続ける意志のようなものが宿っています。辺境に生きることは、その土地の緊張や静寂を身にまとうことでもあるのだと静かに示しているようにも思えます。

後半の二枚は当時現地でモデルとなってくれた男性たちとの写真です。どちらにも、その寒さと場所を引き受けて立っているような、静かな強さが感じられます。

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Guardian
2006
Oil on Canvas
72.7 × 60.6 cm

The figures in Akeyama’s Siberian series are not formed only through images of women. In Guardian, his attention turns toward the frontier in another form. What appears here is the sensation of a body standing at a boundary, as if guarding something by simply remaining there.

Wrapped in a heavy hat and thick clothing, this figure does not openly display emotion. Yet in his quiet stance, there seems to be a will to remain standing while enduring cold and solitude. To live on the frontier may also mean to wear the tension and silence of that place on one’s own body.

The final two images show men who served as models for Akeyama during his time there. In both, one can sense a quiet strength, as if they are standing while accepting the cold and the place itself.

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#明山應義 #守人 #洋画家 #人物画 #シベリア #油彩画 #青森 #十和田

12/05/2026

《遠いふるさと-Ⅱ》
1994年
油彩・キャンバス
162.0 × 162.0 cm

《遠いふるさと-Ⅰ》と同じく、年老いた母の姿をもとに描かれた作品です。

《Ⅰ》の迫力に比べて、最初はいくぶん静かな作品にも思えました。けれど見返していると、その静けさの中に別の重さがあるようにも感じられます。

ここでの母はひとりの個人でありながら、長い年月や記憶を担う存在として現れているようにも見えます。時が止まったような静けさのなか、衣服の細やかさ、手に刻まれた皺のひとつひとつには、土地に残され、歳月を重ねてきた者の時間が刻まれているようです。

一枚の肖像では尽くしきれないものがあったからこそ、明山は繰り返しこの像に向き合わずにはいられなかったのでしょう。反復して同じ主題を描くことは、その像が持つ意味を、別のかたちで確かめていくことでもあったのだと思います。

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Distant Hometown II
1994
Oil on Canvas
162.0 × 162.0 cm

Like Distant Hometown I, this work was painted from the image of Akeyama’s elderly mother.

Compared with the force of Distant Hometown I, this painting at first seemed much quieter. Yet looking at it again, I began to feel another kind of weight within that quietness.

Here, the mother appears as an individual person, but also as a presence carrying long years and memory. Within a stillness that seems almost suspended in time, the fine details of the clothing and each wrinkle marked into the hands seem to hold the time of someone who remained in place and lived through many years.

Perhaps a single portrait could not exhaust what Akeyama needed to approach. That may be why he returned to this image again and again. To paint the same subject repeatedly was also a way of testing, in another form, what that image could hold.

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#明山應義 #遠いふるさと #油彩画 #人物画 #洋画家 #絵画

03/05/2026

《遠いふるさと-I》
1994年
油彩・キャンバス
181.8 × 227.3 cm

1994年、明山は母が亡くなる直前に、母をモデルにしたいくつかの作品を描きました。《遠いふるさと-Ⅰ》は、その最初にできた作品です。また同年、画壇の芥川賞とも呼ばれる安井賞展に入選した作品でもあります。

大きな岩の上に静かに座る母の姿と、その背後にひろがる遠い山並み。感情をあらわにしないその顔は、静かにこちらを見つめています。深く刻まれた皺や、身じろぎのない姿には、長い歳月の重みがそのまま刻まれているようです。

明山作品の長年の理解者だった元十和田市立中央病院長・末武保政氏は、のちにこの《遠いふるさと》について、「深い慈愛に充ちていて宗教画の趣きがあり素朴に神を信じていた時代に誘われるよう」とそう記しています。《遠いふるさと-Ⅰ》は、個人の記憶や思慕に深く根ざしながら、それを一枚の像として揺るぎなく定着させた、明山應義の人物表現のなかでもとりわけ重要な作品のひとつです。

またこの作品は、のちに所蔵先での火災により焼失し、現存していません。現在では記録を通してのみ振り返られる作品であり、そうした来歴もまた、この作品を強く印象づけるものとなっています。

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Distant Hometown I
1994
Oil on Canvas
181.8 × 227.3 cm

In 1994, just before his mother passed away, Akeyama made several paintings using her as his model. Distant Hometown I was the first of them.In the same year, it was also selected for the Yasui Prize Exhibition, often described as the Akutagawa Prize of the Japanese art world.

A mother sits quietly on a large rock, with a distant range of mountains opening behind her. Her face, withholding overt emotion, looks back at us in silence. In the deeply marked lines of her face and the stillness of her posture, one feels the weight of long years directly inscribed.

Yasumasa Suetake, a long-time reader of Akeyama’s work and former director of Towada City Central Hospital, later wrote of this Distant Hometown image that it was “filled with deep tenderness and had the character of a religious painting, as if inviting us toward an age when people believed in God with simplicity.” Rooted deeply in personal memory and longing, Distant Hometown I is one of the most important works in Akeyama’s figurative practice, fixing those emotions into a single and unwavering image.

This work was later lost in a fire at its holding location and no longer survives. Today it can only be revisited through documentation, and that history, too, has become part of what makes the work so affecting.

#明山應義 #遠いふるさと＃ #油絵 #安井賞展 #青森 #十和田

明山應義アトリエ

10/07/2026

25/06/2026

14/06/2026

11/06/2026

29/05/2026

29/05/2026

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